우리가 살펴본 바와 같이 15세기는 미술사에 결정적인 변화를 가져왔다.
이것은 피렌체에서 브루넬레스키 세대의 발견과 혁신이 이탈리아 예술을 새로운 수준으로 끌어올려 유럽의 나머지 지역과 차별화되었기 때문입니다.
15세기 북유럽 미술가들의 목표는 이탈리아 미술가들의 목표와 크게 다르지 않았을지 모르지만 그 수단과 방법은 상당히 달랐다.
북유럽과 이탈리아의 가장 분명한 차이점은 건축입니다.
브루넬레스키는 건축에 고전적인 모티프를 사용하는 르네상스 방식을 도입하여 피렌체의 고딕 양식에 종지부를 찍었습니다.
약 100년 후 이탈리아 이외의 예술가들이 그의 모범을 따랐습니다.
15세기 내내 이 나라들은 이전 세기의 고딕 양식을 계속해서 발전시켰습니다.
이러한 건물의 형태는 여전히 뾰족한 아치와 부벽과 같은 전형적인 고딕 건축 요소를 유지하고 있지만 시대의 유행은 극적으로 변하고 있습니다.
Rouen의 법원, 파이프 174는 “Glorious” 스타일로도 알려진 프랑스 고딕 양식의 최종 단계를 보여줍니다.
여기서 우리는 설계자들이 장식의 기능을 고려하지 않고 건물 전체를 변화무쌍한 장식으로 덮었다는 것을 알 수 있습니다.
이 건물은 동화 같은 요소로 가득 차 있으며 무한히 풍부하고 새로운 발명품으로 가득 차 있습니다.
그러나이 건물에서 디자이너가 고딕 건축의 마지막 가능성을 소진했기 때문에 조만간 반응이 일어날 것이라고 가정 할 수 있습니다.
사실, 이탈리아의 직접적인 영향이 없었음에도 불구하고 북유럽 건축가들이 새롭고 더 미니멀한 스타일을 개발했다는 징후가 있습니다.
특히 영국에서는 “수직 스타일”로 알려진 고딕 양식의 최종 단계에서 이러한 경향이 나타나는 것을 볼 수 있습니다.
이 수직 양식은 14세기 후반과 15세기 초반의 영국 건축을 특징짓기 위해 명명되었으며, 초기 장식 트레이서리의 곡선과 아치보다 직선이 장식에 더 자주 사용되었습니다.
이 스타일의 가장 유명한 예는 1446년에 시작된 케임브리지의 King’s Callage Chapel입니다(그림 175).
174 루앙 성(구 재무부)의 안뜰, 1482년, 화려한 고딕 양식
이탈리아 이외의 국가에서는 회화와 조각의 발전이 이러한 건축 발전과 어느 정도 유사했습니다.
즉, 르네상스가 다른 어느 곳보다 이탈리아에서 더 큰 승리를 거둔 반면, 15세기 북유럽은 여전히 고딕 전통에 충실했습니다.
반 에이크 형제의 위대한 혁신에도 불구하고 예술은 여전히 과학보다는 관습과 관습의 문제로 여겨졌습니다.
수학적 관점의 이론, 과학적 해부학의 신비, 로마 유적 연구 등은 북유럽 거장들의 평화로운 마음 상태를 방해하지 않았습니다.
따라서 그들은 여전히 ”중세 예술가”인 반면 알프스 남쪽의 예술가 상대는 이미 “현대적”입니다.
그것은. 그러나 그럼에도 불구하고 알프스 남쪽과 알프스 북쪽의 예술가들이 직면한 문제는 놀라울 정도로 비슷합니다.
얀 반 에이크(Jan van Eyck)는 그들에게 전체가 세심한 관찰로 스며들 때까지 하나의 세부 사항을 다른 세부 사항에 조심스럽게 추가하여 그림을 자연의 거울로 만드는 방법을 가르쳤습니다.
그러나 이탈리아의 프라 안젤리코와 베노초 고졸리가 14세기의 정신을 간직한 채 마사초의 혁신을 활용한 것처럼 북유럽에도 보다 전통적인 주제에 반 에이크의 혁신을 활용한 예술가들이 있었다.
예를 들어 15세기 중반 쾰른에서 활동한 독일 화가 슈테판 로흐너(Stefan Lochner, 14108-51)는 북유럽의 안젤리코 수사의 품행을 가졌다고 할 수 있다.
그림 176에서 볼 수 있듯이 장미 나무 아래에서 음악을 연주하는 케루빔들에 둘러싸여 아기 예수에게 꽃을 던지거나 과일을 건네주는 성모 마리아의 매력적인 그림은 안젤리코 형제가 마사치오의 새로운 발견을 알게 되었을 때 본 바로 그 모습이 현현했습니다.
그는 Van Eyck의 새로운 방법을 알고 있었습니다.
그럼에도 불구하고 그의 그림은 정신적으로 Van Eyck의 것보다 고딕 양식에 더 가깝습니다.
이 오래된 작품으로 돌아가서 두 작품을 비교하는 것은 매우 흥미 롭습니다.
우리는 Lochner가 diptych 화가에게 다소 어려운 문제를 마스터했음을 바로 알 수 있습니다.
그의 그림 속 인물들에 비해 <두보화>의 인물들은 비교적 평면적으로 보인다.
호수의 성모 마리아는 여전히 황금색으로 설정되어 있지만 그 앞에는 현실의 무대가 펼쳐진다.
또한 Lochner는 액자 커튼으로 보이는 것을 들고 있는 두 명의 아름다운 천사를 그렸습니다.
Ruskin과 Pre-Raphaelite 화가와 같은 19 세기 낭만주의 비평가들의 상상력을 처음으로 사로 잡은 그림은 Lochner와 Fra Angelico의 그림과 비슷합니다.
그들은 이 사진들에서 종교의 단순함과 어린이 마음의 꾸밈없는 아름다움을 보았습니다.
어떤 면에서는 그들이 옳습니다.
이 작품들은 보기에는 매혹적이지만 사실적인 공간과 정밀한 드로잉에 어느 정도 익숙한 우리에게는 중세 시대의 정신을 간직하고 있지만 이전 중세 거장들의 작품보다 이해하기가 더 어렵습니다.
아마도 너무 쉽기 때문일 것입니다.
175 <国王学院礼拜堂，剑桥>1446에서 “수직” 스타일
176 스테판 로크너,<玫瑰荫下的圣母>1440년경, 목판에 유채, 51 x 40cm, 발라프 리아츠 박물관, 쾰른
그러한 그림은 한 세기 전에는 가능하지 않았을 것입니다.
아니, 그 이전 어느 시대에도 그렇게 그릴 수 없었다.
이러한 일상의 충실한 묘사를 위해서는 고대 이집트 미술로 거슬러 올라가야 한다.
이탈리아 예술보다 이상적인 조화와 아름다움을 달성하는 데 덜 관심을 가진 북유럽 예술은 점점 더 이러한 표현 방식을 선호했습니다.
우리는 유명한 프랑스 화가 Jean Fouquet(1420880)가 젊었을 때 이탈리아를 방문했다는 것을 알고 있습니다.
1447년에 그는 또한 교황을 위해 그림을 그리기 위해 로마로 갔다.
석판화 178은 이탈리아에서 돌아온 지 몇 년 후에 그린 것으로 추정되는 기증자의 초상화입니다.
기증자의 이름이 Étienne(Stephen의 프랑스어 Gore 이름)이었으므로 그 옆에 서 있는 수호성인은 St. Andrews였습니다.
그의 손에 든 책 위에 큰 돌이 놓여 있었고 성경은 그가 돌에 맞아 죽었다고 말합니다.
검토
그러나 Jean Fouquet의 그림 속 인물들은 조각된 것처럼 보인다.
나는 여기있다
Fouquet는 거의 Piero della Francesca와 같은 빛을 사용합니다(p. 261, Pl. 170).
이 조용히 조각된 인물들이 실제 공간에 서있는 방식은 푸케가 이탈리아 작품에 얼마나 깊은 인상을 받았는지 보여줍니다.
그럼에도 불구하고 그의 화풍은 이탈리아 화가들과는 사뭇 다르다.
모피, 돌, 천, 대리석과 같은 물체의 질감과 표면에 대한 그의 관심은 그의 예술이 Jan van Eyck의 북유럽 전통에 영향을 받았음을 시사합니다.
로마를 방문한 또 다른 위대한 북유럽 화가(순례 1450)는 Rogier van der Weyden(1400?-64)이었습니다.
얀 반 에이크(Jan van Eyck)가 일했던 네덜란드 남부에서 살았고 유명했다는 점을 제외하고는 주인에 대해 알려진 바가 거의 없습니다.
PL.179는 예수가 십자가에서 제거되는 모습을 묘사한 대형 제단화입니다.
Rozier는 Van Eyck처럼 모든 세부 사항, 모든 머리카락, 모든 솔기를 충실하게 재현합니다.
그러나 그의 그림은 사실적인 장면을 묘사하지 않는다.
그는 중립적인 배경을 배경으로 인물들을 밝은 무대에 배치합니다.
Pollaiuolo가 직면한 문제(p. 263, 그림 171)를 반영하여 Rogier의 결정을 현명한 것으로 평가할 수 있습니다.
우리는 15세기 후반의 가장 위대한 플랑드르 화가 중 한 명인 Hugo van der Goes(1482년 사망)의 작품에서 이러한 노력을 찾을 수 있습니다.
그는 개인적인 일화가 살아남은 당시의 몇 안되는 북유럽 화가 중 한 명입니다.
사실 그의 작품은 잔잔한 분위기의 얀 반 에이크와는 사뭇 다른 긴장감과 진지함이 있다.
Pl.180은 그의 작품 “Death of the Virgin”입니다.
우리에게 가장 깊은 인상을 준 것은 동정녀의 죽음을 목격한 12사도의 다양한 반응을 훌륭하게 묘사한 것입니다.
사색하는 표정부터 애도하는 표정, 무심코 하품하는 표정까지 모두 잘 표현되어 있다.
그림을 인쇄하는 이 간단한 기술을 목판화라고 합니다.
이것은 빠르게 인기를 얻은 매우 저렴한 방법입니다.
여러 장의 목판이 함께 인쇄되고, 일련의 그림이 인쇄되어 책으로 제본되는데, 이러한 완전한 인쇄본을 목판책이라고 합니다.
목판화와 판화는 곧 일반 시장에서 구할 수 있게 되었습니다.
플레잉 카드와 기타 플레잉 카드는 이런 식으로 만들어졌으며, 종교 의식을 위한 익살스러운 그림과 판화도 만들어졌습니다.
Pl.184는 교회 그림 설교에 사용된 초기 목판화 중 하나입니다.
그림의 목적은 숭배자들에게 죽음의 순간을 상기시키고 제목에서 알 수 있듯이 “잘 죽는 법”을 가르치는 것입니다.
이 목판화는 양초를 들고 있는 승려 옆에 있는 경건한 사람의 죽음 장면을 묘사합니다.
이러한 유형의 목판 인쇄는 구텐베르크가 목판 대신 프레임에 서체를 수집하여 인쇄하는 방법을 발명하면서 구식이 되었습니다.
그러나 인쇄된 글과 목판화 삽화를 결합하는 방법이 나중에 발견되어 15세기 후반에 출판된 많은 책에 목판화 삽화가 첨부되어 있다.
177 Jean Le Tavernier, The Conquest of Charlemagne, 1460년경, 브뤼셀 왕립 도서관
178 장 푸케,
179 Rogier van der Weyden, 십자가에서 내리심, 1435년경, 제단화, 목판에 유채, 220 x 262 cm, 마드리드 프라도 미술관
180 Hugo van der Goes,<圣母之死>1480년경, 제단화, 목판에 유채, 146.7 x 121.1cm, 브뤼헤 박물관
181 보드 세부 정보 180
182바이트 스토스 <圣母玛利亚教堂的祭坛>, 1477-89. 크라쿠프, 칠해진 나무, 높이 13.1m.
183바이트 스토스,<使徒头像>Pl.182의 일부
184 <好人之死>1440년경, 목판화, 22.5 x 16.5cm,
목판화에서는 선이 두드러지고 동판화에서는 선이 블록에 새겨집니다.
조각칼로 선의 깊이와 강도를 조절하는 것은 어렵지만 일단 기술이 숙달되면 에칭은 목판보다 더 풍부한 디테일과 미묘한 효과를 얻을 수 있습니다.
15세기의 가장 위대하고 가장 유명한 조각가는 현재 알자스의 라인강 상류에 있는 콜마르에 살았던 마르틴 숀가우어(1453? – 91)였습니다.
플레이트 번호 185는 Schongauer의 동판 조각 “Holy Night”입니다.
이 장면은 네덜란드 거장들의 정신을 대표합니다.
185 마르틴 숀가우어,<圣夜>1470-3년경, 동판화, 25.8 x 17 cm
목판화와 구리 세공인은 유럽 전역에 빠르게 퍼졌습니다.
이탈리아에서는 Mantegna와 Botticelli 스타일로, 네덜란드와 프랑스에서는 다른 스타일로 에칭이 만들어졌습니다.
판화는 유럽 예술가들이 다양한 장르의 예술적 개념을 배우는 또 다른 새로운 수단이 되었습니다.
그 당시에는 다른 예술가의 아이디어와 작곡을 베끼는 것이 부끄러운 일이 아니었기 때문에 많은 젊은 거장들이 그들의 아이디어와 작곡을 차용하기 위해 판화를 샘플북으로 사용했습니다.
인쇄술의 발명이 아이디어 교환을 가속화하고 종교 개혁을 촉발한 것처럼 그림 인쇄술은 나머지 유럽 지역에서 이탈리아 르네상스 예술의 승리를 보장했습니다.
그것은 북유럽 중세 미술을 종식시킨 많은 원동력 중 하나였으며 이들 국가에서 거장만이 극복할 수 있는 예술적 위기를 초래한 요인 중 하나였습니다.
